Жизнь и творчество

В 1968 художница завоёвывает Международную премию на биеннале в Венеции . В 1967 году Райли начинает проводить на своих картинах различные эксперименты с цветом и различными его оттенками - сперва только с серым, затем - с другими красками. В 1981 году она совершает путешествие по Египту.

Художница работала в трёх художественных мастерских, одна из которых находилась в Корнуолле, вторая в лондонском округе Кенсингтон и Челси, третья - во Франции, в долине Воклюза . В 1983 году она создаёт дизайн внутренних помещений Королевского госпиталя в Ливерпуле . Работала также над художественным оформлением балетных постановок.

Бриджет Райли - участница международных выставок современного искусства documenta 4 (1968) и documenta 6 (1977) в немецком городе Кассель .

Художница была награждена орденами Британской империи и Кавалеров Почёта .

Награды (избранное)

• 1963: премия John Moore’s Liverpool Exhibition
• 1963: премия AICA Critics Prize
• 1964: стипендия фонда Stuyvesant Foundation
• 1968: Международная премия в живописи 34-го Венецианского биеннале
• 2003: Praemium Imperiale
• 2009: немецкая премия Goslarer Kaiserring"

Литература

• Bridget Riley: Malen um zu sehen . Hatje Cantz, Ostfildern, 2002. ISBN 978-3775711982 .
• Julia Voss, Wulf Herzogenrath, Robert Kudielka: Bridget Riley . Verein zur Förderung Moderner Kunst E.V. Goslar, MönchehausMuseum Goslar, Goslar 2009, kein ISBN

Источники

Категории:

• Персоналии по алфавиту
• Родившиеся 24 апреля
• Родившиеся в 1931 году
• Родившиеся в Лондоне
• Современные художники Великобритании
• Женщины-художники
• Командоры ордена Британской империи

Wikimedia Foundation . 2010 .

• Райком закрыт, все ушли на фронт
• Рэвен Райли

Смотреть что такое "Райли, Бриджет" в других словарях:

Райли - (англ. Riley) английская фамилия. Известные носители: Райли, Алекс (р. 1981) псевдоним Кевина Роберта Кайли, американского рестлера. Райли, Артур (1903 ?) южноафриканский футболист, вратарь. Райли, Бриджет (р. 1931) современная английская… … Википедия

Список художников - Это служебный список статей, созданный для координации работ по развитию темы. Данное предупреждение не устанавливается на информационные списки и глоссарии … Википедия

Великобритания - I Великобритания (Great Britain) остров в Атлантическом океане, входящий в группу Британских островов (См. Британские острова). См. Великобритания (государство). II Великобритания (Great Britain) официальное название Соединённое… … Большая советская энциклопедия

Клум, Хайди - У этого термина существуют и другие значения, см. Хайди (значения). Хайди Клум Клум на The Heart Truth Fashion Show в 2008 году Настоящее имя Хайди Сэмюэль Дата рождения … Википедия

Одноклассницы (фильм) - Одноклассницы St. Trinian s Жанр комедия Режиссёр … Википедия

Одноклассницы - St. Trinian s Жанр … Википедия

Зиген - Siegen Герб … Википедия

США на летних Олимпийских играх 2008 - США на Олимпийских играх Код МОК … Википедия

Императорская премия - (лат. Praemium Imperiale) награда деятелям искусства «за их достижения, международное влияние, которое они оказали на своё искусство, духовное обогащение всего мирового сообщества». Учреждена в 1988 году по предложению императора… … Википедия

IMG Models - одно из главных международных модельных агентств, в данный момент представляющее только моделей женщин. Основной офис расположен в Нью Йорке, с отделениями в Париже, Лондоне, Милане и Гонконге. Оно является подразделением Кливлендского IMG. IMG… … Википедия

Книги

• Как это понимать?! Разберись в современном искусстве и открой в себе художника , Ричардс Мэри. О книге: Эта интерактивная книга знакомит читателей с жизнью и творчеством 16 художников и учит детей и подростков составлять собственное мнение о произведениях искусства. Задания в этом… Купить за 687 руб
• Как это понимать Разберись в современном искусстве и открой в себе художника , Ричардс М.. Эта интерактивная книга знакомит читателей с жизнью и творчеством 16 художников и учит детей и подростков составлять собственное мнение о произведениях искусства. Задания в этом интерактивном…

‘No painter, dead or alive, has ever made us more aware of our eyes than Bridget Riley. ’ Robert Melville, 1971

To see examples of Bridget Riley’s art visit the .

Early Life – 1931 – 46

Bridget Riley in the mid- 1960s – Photo: John Goldblatt

Bridget Riley was born in Norwood, South London in 1931. Her father, John Fisher Riley, originally from Yorkshire, was a printer, as was his father before him. In 1938, her father relocated the printing business to Lincolnshire and the family moved with it.

The family were not to spend long in Lincolnshire. In 1939, when war broke out her father was drafted into the armed services. Bridget, along with her sister, mother and aunt went to live in Cornwall away from the dangers of the blitz.

In Cornwall, Riley had great freedom as a child and spent a lot of her time playing on the cliffs and beaches near Padstow where she lived. She spent hours watching the changing light, colour and cloud formations and stored away what she saw in memory. She has later said that these early memories have had a big impact on her visual awareness throughout her life.

School and University – 1946-55

Nude – Bridget Riley c.1951-52 – Conte and pastel on paper 43×21.2

Drawing and painting became the centre of Bridget Riley’s life from an early age and, after her school years at Cheltenham Ladies College (1946-49) she studied at Goldsmiths College , London (1949-52) and later at the Royal College of Art (1952-55).

Her studies were centred round life drawing and she worked mostly in black and white. The image to the right is a very early Bridget Riley, “Nude”, which was drawn in conte and pastels around 1951-1952 either whilst still at Goldsmiths or at the start of her time at the Royal College.

Riley’s time at the Royal College was confusing and difficult and she found the teaching and direction unrewarding. She was reaching the point where she wanted to establish her own style and express herself in her own way but found herself unable to do so in an institutional framework.

Difficult Years – The Mid- 1950s

Girl Reading – Bridget Riley c.1957-8 – Black pastel on paper 42×24

After leaving the Royal College in 1955 Riley returned to Lincolnshire to look after her father who had been seriously injured in a car accident. The problems that had started in Riley’s final years at the Royal College were compounded by her current situation and led to a complete physical and mental breakdown for the artist.

After her father began to recover, she returned to Cornwall for three months in an attempt to recuperate. She tried to paint during this period but with very little success.

Bridget Riley returned to London in 1956 and started to paint again but made little progress. In the first half of the year she was an in-patient at the Middlesex Hospital – she later moved to a hostel – and took a job selling glass at an antique shop in Marylebone Lane. It was a bleak and difficult time for Riley.

Beginning the Recovery – 1957-58

Tonal landscape study – Bridget Riley 1959 – Black pastel on thin paper 40×42

In 1956 Bridget Riley saw an exhibition in London that had a significant impact and helped shape her creative thinking and sense of direction – an exhibition of American Abstract Expressionist painters at the Tate Gallery, the first exhibition of its kind in the country.

Riley moved into teaching and from 1957-1958 she taught art to girls aged 8-18 at the Convent of the Sacred Heart, Harrow, introducing them to the sequences of shape, line and groups of colour, hoping to release their truly creative impulses and to discourage blind copying of the real world.

Bridget started to paint again during this period in a more exploratory style – the main influences being Matisse and Bonnard and she started to visit exhibitions again and renew contact with the art world.

Maurice de Sausmarez – 1958-60

Blue landscape – Bridget Riley 1959-60 – Oil on Canvas 76×101.5

In 1958 Riley took a job at J. Walter Thompson advertising agency as a commercial illustrator.

That year she saw an exhibition called ‘The Developing Process’ based on the ideas of a teacher and writer called Harry Thubron who taught at Leeds School of Art. Thubron tried to show how modern painting was evolving in America and other European countries than the UK. He spoke of organic form, colour and form progressions and spatial investigation.

Riley was fascinated and, after applying for a teaching post at Loughborough College of Art, she took leave from J. Walter Thompson and attended Thubron’s famous summer school in Norfolk. Here she met Maurice de Sausmarez, Thubron’s assistant, who was to become the determining factor in the immediate expansion of her cultural horizons.

Bridget Riley in Italy – 1960

Pink landscape – Bridget Riley 1960 – Oil on Canvas 101.5×101.5

In the summer of 1960 Bridget Riley travelled, painted and visited galleries in Italy with de Sausmarez and was enchanted by the black and white Romanesque buildings of Pisa and the churches of Ravenna. She also refers to seeing and admiring the work of the Italian Futurist painters Boccioni and Balla.

She was encouraged by her teacher, Maurice de Sausmarez (d 1970), to study the art of Georges-Pierre Seurat . Bridget Riley’s “Pink Landscape” (shown to the right) completed in 1960 clearly shows the influence Seurat had on her.

On her return, she took a part-time teaching post Hornsey College of Art (1960-61), under the direction of de Sausmarez. The following year Riley moved to Croydon School of Art (1961-64). She also continued to work part time at J. Walter Thompson (a position she also left in 1964).

The Rise to Success – 1960-65

Kiss – Bridget Riley 1961 Tempera on board 122×122

At Hornsey, Riley began her first Op Art paintings, working only in black and white and using simple geometric shapes – squares, lines and ovals. Although she investigated many areas of perception, her work, with its emphasis on optical effects was never intended to be an end in itself. It was instinctive, not based on theory but guided by what she saw with her own eyes.

Whilst teaching at Croydon, Bridget gained her first critical recognition. In the spring of 1962 she had her first solo show, at Gallery One in London, a defining moment.

In 1963 she won a prize in the open section of the John Moore’s Liverpool exhibition and took the AICA Critic’s Prize in London. This was followed by an invitation to show in the prestigious “New Generation” exhibition at the Whitechapel Gallery alongside Allen Jones and David Hockney.

The Responsive Eye – 1965

Movement in squares – Bridget Riley 1961 – Tempera on board 122×122

Bridget Riley’s paintings came to International notice when she exhibited along with and others in the Museum of Modern Art in New York at an exhibition called “The Responsive Eye” in 1965. It was one of Riley’s paintings that was featured on the cover to the exhibition catalogue.

“The Responsive Eye” was a huge hit with the public but proved to be less popular with the critics, who dismissed the works as trompe l’oeil (literally ‘tricks of the eye’). A short film – ‘The Responsive Eye’ – documenting the opening night of the exhibition was made by Brian de Palma.

Despite the critics, Riley held another wildly popular exhibition at this time in the US, at the Richard Feigen Gallery in New York. Tickets sold out on the first day that they went on sale – a remarkable achievement for an artist who was still in her early thirties.

“Op Art” – 1965

Pause – Bridget Riley 1964 – Emulsion on board 115.5×116

It was around this time that the term ‘Op Art’ entered the public consciousness. Op Art captured the imagination of the public and became part of the swinging sixties. The fashion, design and advertising industries fell in love with its graphic, sign-like patterns and decorative value. Op Art was cool, and Bridget Riley became Great Britain’s number one art celebrity.

The basis of the Op Art movement was a form of geometric abstraction, which was in a way impersonal and not obviously related to the real world. “I couldn’t get near what I wanted through seeing, recognizing and recreating, so I stood the problem on its head. I started studying squares, rectangles, triangles and the sensations they give rise to… It is untrue that my work depends on any literary impulse or has any illustrative intention. The marks on the canvas are sole and essential agents in a series of relationships which form the structure of the painting.” (Bridget Riley)

The Emergence of Colour – 1967

Cataract 3 – Bridget Riley 1967 PVA on canvas 223.5×222

“The music of colour, that’s what I want” (Bridget Riley)

Riley’s introduction of colour to her work was something she was cautious of. The black and white paintings depended on the disruption of stable elements. No such stable basis could be found for colour as the perception of colour is relative – each colour affects and is affected by the colours next to it. Over time, she began to accept this inherent instability and made it the basis of her work.

From 1967 onwards Riley increasingly began to use colour. She also started to use more stabilised forms – often simple vertical straight or wavy lines. It was the positioning of the colour itself that produced the feel of movement she wanted to convey. The colour groupings affected the spaces between them to produce fleeting glimpses of other colours and hence the illusion of movement.

Colour in Action – The 1970s

Zing 1 – Bridget Riley 1971 – Acrylic on canvas 101.6×88.9

Bridget Riley’s paintings of the late 1960s and 70s became mainly concerned with the visual and emotional response to colour. She experimented with various palettes and forms during this period. Zing 1 (shown right) introduced a colour twist theme, making use of twisted vertical stripes to create horizontal zones of colour.

Following on from the innovation of Zing 1, the mid- 1970s saw Bridget use curves more and more frequently in her work. These ‘curve’ paintings saw a widening of her understanding of the relation of colour and light. Riley’s curve paintings are some of her most peaceful and emotional works, something that is reflected in their often poetic and musical titles.

Until 1978 Riley restricted herself to three colours for each of her paintings. 1978’s Song of Orpheus series expanded this to five. Further expansion was yet to come.

The Egyptian Connection – 1981

RA 2 – Bridget Riley 1981 – Silkscreen on paper 108×94.5

In 1981 she visited Egypt and was enchanted by the colours used by ancient Egyptian art. ‘The colours are purer and more brilliant than any I had used before,’ she wrote.

In the ‘life-giving arrangement of colours’ the Egyptians had used for over 3000 years Riley had found a group of colours which worked perfectly as a colour scheme. They retained their individual brilliance and still generated new colours and light effects in the spaces between the colour groups. With these colours she felt she had found the intensity of colour and the shimmer of light she had always searched for.

Prior to this point the use of colour in Riley’s work was ordered and its progression could be followed across the canvas. The ‘Egyptian’ paintings mark the beginnings of free colour organisation, something that she uses to the current day.

Bridget Riley – Work outside of the Studio – 1982-83

Royal Liverpool Hospital Installation – Bridget Riley 1983

In 1982-3 Bridget Riley was commissioned by the director of the Ballet Rambert to design the sets for a new ballet known as ‘Colour Moves’. It was an unusual commission as the set designs preceded the composition of the music and the choreography and actually provided the original inspiration for the work. The ballet was first performed at the Edinburgh Festival in 1983 and was successfully toured.

Another departure from her normal studio work involved the production of a series of colourful murals for the Royal Liverpool Hospital in 1983 (shown to the right).

Riley created the interior using blue, white, pink and yellow bands of colour, which were intended to relax the patients. It seems that she was successful in what she set out to achieve; the interior was much admired and caused a significant fall in the level of vandalism and graffiti taking place at the hospital.

The Lozenge Paintings – The Mid- 1980s and 1990s

From Here – Bridget Riley, 1994 – Oil on linen 156.2×227.3

The mid- 1980s saw Bridget Riley’s work move progressively away from a build up of sensation giving rise to a perceptual response, and instead towards an art of pure visual sensation, treating form and colour as ‘ultimate identities’, as things in themselves. Units of colour were arranged according to principles of relation and chromatic interaction, but increasingly were connected to the implication of rhythm, space and depth.

Riley began to incorporate diagonal ‘lozenge’ elements rising from left to right which cut across the verticals, shattering the picture plane. Planes of colour alternately advance and recede, giving rise to contrasts in colour, tone, density and direction.

Of this period Riley said: “I try to take sensation as the guiding line and build, with the relationships it demands, a plastic fabric which has no other raison d’etre except to accommodate the sensation its solicits.”

Late period – 2000 to date

Two Blues – Bridget Riley, 2003 – Oil on linen 54.5×53

Now in her late 70s Bridget Riley still continues to work. Exhibitions of her work are held all over the world – Sydney, Tokyo, New York, Zurich, London to mention just some of the cities where her work has been shown recently.

In 2007 there was an exhibition of fifteen paintings done between 2005 and 2006 at the Timothy Taylor Gallery in London. Again her images had changed; the shapes of the ‘lozenge’ paintings of the 1980s and 1990s swept across verticals but this time they were fluid arabesques in softer colours – blues, greens, lilacs and pale oranges.

Bridget Riley is a consistent innovator in her field who experiments constantly with new ideas that mark new departures. For this reason nobody can truly know what the future will bring in terms of her original and unique art, which is demanding both of herself and of those who see them.

Bridget Riley in the Studio – How she works

Bridget Riley mixing paints in her London studio – Photo: Bill Warhurst

Bridget Riley’s major paintings are very large and may take six to nine months to develop, almost to evolve. She begins by making small colour studies in gouache. Riley hand mixes all of the paints as the exact hue and intensity is vital and must be kept constant.

Successful studies lead to a full size paper and gouache cartoon which prefigures the final work. These are then enlarged, ruled up, under-painted with acrylic and over-painted in oils. Everything is painted by hand – no rulers, masking tape or mechanical means are used when actually applying the paints. Riley has worked with assistants since the 1960s because of the large scale and the need for great precision.

Bridget Riley CBE is a trustee of the National Gallery in London.

Bridget Riley on Rhythm and Repetition

Художница, одна из крупнейших представительниц оп-арта .

Жизнь и творчество

В 1968 художница завоёвывает Международную премию на биеннале в Венеции . В 1967 году Райли начинает проводить на своих картинах различные эксперименты с цветом и различными его оттенками - сперва только с серым, затем - с другими красками. В 1981 году она совершает путешествие по Египту.

Художница работала в трёх художественных мастерских, одна из которых находилась в Корнуолле, вторая в лондонском округе Кенсингтон и Челси , третья - во Франции, в долине Воклюза . В 1983 году она создаёт дизайн внутренних помещений Королевского госпиталя в Ливерпуле . Работала также над художественным оформлением балетных постановок.

Бриджет Райли - участница международных выставок современного искусства documenta 4 (1968) и documenta 6 (1977) в немецком городе Кассель .

Художница была награждена орденами Британской империи и Кавалеров Почёта .

Награды (избранное)

• 1963: премия John Moore’s Liverpool Exhibition
• 1963: премия AICA Critics Prize
• 1964: стипендия фонда Stuyvesant Foundation
• 1968: Международная премия в живописи 34-го Венецианского биеннале
• 2009: немецкая премия Goslarer Kaiserring"
• 2012: премия Sikkens Prize

Напишите отзыв о статье "Райли, Бриджет"

Литература

• Bridget Riley: Malen um zu sehen . Hatje Cantz, Ostfildern, 2002. ISBN 978-3775711982 .
• Julia Voss, Wulf Herzogenrath, Robert Kudielka: Bridget Riley . Verein zur Förderung Moderner Kunst E.V. Goslar, MönchehausMuseum Goslar, Goslar 2009, kein ISBN

Источники

Отрывок, характеризующий Райли, Бриджет

– Не будьте злы, – погрозив пальцем, с другого конца стола, проговорила Анна Павловна, – c"est un si brave et excellent homme notre bon Viasmitinoff… [Это такой прекрасный человек, наш добрый Вязмитинов…]
Все очень смеялись. На верхнем почетном конце стола все были, казалось, веселы и под влиянием самых различных оживленных настроений; только Пьер и Элен молча сидели рядом почти на нижнем конце стола; на лицах обоих сдерживалась сияющая улыбка, не зависящая от Сергея Кузьмича, – улыбка стыдливости перед своими чувствами. Что бы ни говорили и как бы ни смеялись и шутили другие, как бы аппетитно ни кушали и рейнвейн, и соте, и мороженое, как бы ни избегали взглядом эту чету, как бы ни казались равнодушны, невнимательны к ней, чувствовалось почему то, по изредка бросаемым на них взглядам, что и анекдот о Сергее Кузьмиче, и смех, и кушанье – всё было притворно, а все силы внимания всего этого общества были обращены только на эту пару – Пьера и Элен. Князь Василий представлял всхлипыванья Сергея Кузьмича и в это время обегал взглядом дочь; и в то время как он смеялся, выражение его лица говорило: «Так, так, всё хорошо идет; нынче всё решится». Анна Павловна грозила ему за notre bon Viasmitinoff, а в глазах ее, которые мельком блеснули в этот момент на Пьера, князь Василий читал поздравление с будущим зятем и счастием дочери. Старая княгиня, предлагая с грустным вздохом вина своей соседке и сердито взглянув на дочь, этим вздохом как будто говорила: «да, теперь нам с вами ничего больше не осталось, как пить сладкое вино, моя милая; теперь время этой молодежи быть так дерзко вызывающе счастливой». «И что за глупость всё то, что я рассказываю, как будто это меня интересует, – думал дипломат, взглядывая на счастливые лица любовников – вот это счастие!»
Среди тех ничтожно мелких, искусственных интересов, которые связывали это общество, попало простое чувство стремления красивых и здоровых молодых мужчины и женщины друг к другу. И это человеческое чувство подавило всё и парило над всем их искусственным лепетом. Шутки были невеселы, новости неинтересны, оживление – очевидно поддельно. Не только они, но лакеи, служившие за столом, казалось, чувствовали то же и забывали порядки службы, заглядываясь на красавицу Элен с ее сияющим лицом и на красное, толстое, счастливое и беспокойное лицо Пьера. Казалось, и огни свечей сосредоточены были только на этих двух счастливых лицах.
Пьер чувствовал, что он был центром всего, и это положение и радовало и стесняло его. Он находился в состоянии человека, углубленного в какое нибудь занятие. Он ничего ясно не видел, не понимал и не слыхал. Только изредка, неожиданно, мелькали в его душе отрывочные мысли и впечатления из действительности.
«Так уж всё кончено! – думал он. – И как это всё сделалось? Так быстро! Теперь я знаю, что не для нее одной, не для себя одного, но и для всех это должно неизбежно свершиться. Они все так ждут этого, так уверены, что это будет, что я не могу, не могу обмануть их. Но как это будет? Не знаю; а будет, непременно будет!» думал Пьер, взглядывая на эти плечи, блестевшие подле самых глаз его.
То вдруг ему становилось стыдно чего то. Ему неловко было, что он один занимает внимание всех, что он счастливец в глазах других, что он с своим некрасивым лицом какой то Парис, обладающий Еленой. «Но, верно, это всегда так бывает и так надо, – утешал он себя. – И, впрочем, что же я сделал для этого? Когда это началось? Из Москвы я поехал вместе с князем Васильем. Тут еще ничего не было. Потом, отчего же мне было у него не остановиться? Потом я играл с ней в карты и поднял ее ридикюль, ездил с ней кататься. Когда же это началось, когда это всё сделалось? И вот он сидит подле нее женихом; слышит, видит, чувствует ее близость, ее дыхание, ее движения, ее красоту. То вдруг ему кажется, что это не она, а он сам так необыкновенно красив, что оттого то и смотрят так на него, и он, счастливый общим удивлением, выпрямляет грудь, поднимает голову и радуется своему счастью. Вдруг какой то голос, чей то знакомый голос, слышится и говорит ему что то другой раз. Но Пьер так занят, что не понимает того, что говорят ему. – Я спрашиваю у тебя, когда ты получил письмо от Болконского, – повторяет третий раз князь Василий. – Как ты рассеян, мой милый.

Так сложилось исторически, что практически все известные художники – это мужчины. Сегодня мы разрушим этот миф. От захватывающих оптических иллюзий Бриджит Райли до смелых и дерзких экспериментов Трейси Эмин – мы назовем 8 громких женских имен, которые оставили свой след в современном искусстве.

Марлен Дюма

Марлен Дюма - голландская художница из Кейп-Тауна. В основном она пишет портреты, моделей для которых берет из газет, журналов и фотографий, снятых на полароид. Она виртуозно пишет «по мокрому», создавая тревожные, мрачные и часто провокационные работы. Дюма сумела стать одной из самых дорогих художниц современности. Ее картины и рисунки обычно выглядят вызывающе: жуткие, искореженные лица и тела, тревожные цветовые сочетания, наркотическая ломка форм. Темы Дюма – политика, расы и сексуальность, вина и невиновность, насилие и нежность.

Трейси Эмин

Трэйси Эмин - английская художница, режиссер и актриса, одна из наиболее известных представительниц группы «Молодые британские художники» («Young British Artists»). Помимо картин, художница знаменита инсталляцией «Моя кровать» (My Bed ), выставленной в 1999 году на выставке премии Тернера. Инсталляция представляла собой неубранную грязную кровать, вокруг которой были разбросаны личные вещи, включая окровавленное белье и использованные презервативы.

Дженни Савиль

Дженни Савиль - современная британская художница, прославившаяся своими монументальными полотнами, главными героями которых становились женские образы. В 1994 она провела более 48 часов, наблюдая за работой пластических хирургов в клиниках Нью-Йорка, становясь свидетельницей рождения новой красоты, что впоследствии и повлияло на ее творчество.

Яёи Кусама

Живопись, коллажи, мягкие скульптуры, перформансы и инсталляции этой японской художницы разделяют одержимость повтором, узорами, аккумуляцией. Сама Яёи описывает себя как «навязчивого художника» – она страдает психическими заболеваниями. 12 ноября 2008 на аукционе Кристи её работа была продана за $5100000, рекорд для живущей женщины-художника.

Джули Мерету

Джули Мерету известна благодаря насыщенным картинам большого формата. Например, Retopistics: A Renegade Excavation (2001) имеет размер 2,59х5,49 м. На работах Мерету слои акриловой краски пересекаются линиями, сделанными маркерами, карандашами и тушью. Ее творчество вызывают целый ряд аналогий - от динамизма итальянских футуристов и геометрической абстракции до абстрактных экспрессионистов. Отправной точкой для Мерету является архитектура и современный город с ускоренным темпом жизни и густонаселенными улицами.

Бриджет Райли

Бриджет Райли - современная английская художница, одна из крупнейших представительниц оп-арта. Британская художница Бриджит Райли ворвалась в «свингующие» 1960-е с композициями, от которых у зрителей рябило в глазах, кружилась голова, и даже слегка подташнивало. Рассматривать работы Бриджит Райли – занятие радостное, но требующее концентрации и внимания. Еще сложнее оторвать от них взгляд. Можно сколько угодно раскладывать по полочкам принципы, по которым построены ее полотна, но этим не объяснишь их мистической притягательности.

Паула Рего

Паула Рего - португальская художница, иллюстратор, гравер, живущая и работающая в Великобритании. Она постоянно обновляет свое творчество новыми стилями и техниками. От коллажей 1950-х и 60-х, серий с животными 80-х годов до больших композиций, пастелей и серий эстампов, гравюр и литографий в настоящее время, построенных на ее воображении и детских воспоминаниях. Ее главной задачей является визуальный рассказ своей необычной и завораживающей истории.

В Музее современного искусства Парижа проходит выставка «королевы оптических иллюзий» Бриджет Райли, творчество которой стало символом «свингующих шестидесятых»

В последние годы шестидесятые в моде. Стоит только вспомнить, как пару лет назад любая модница считала своим долгом накупить себе вещичек в стиле «свингующего Лондона». Все модные магазины заполонили мини-платья со строгим геометрическим рисунком, бесформенные пальто с огромными пуговицами и крупные украшения. В прошлом году вся Америка отмечала 40-летие знаменитого «лета любви» - на свет появилось множество книг об эстетике хиппи и психоделическом искусстве. В этом году свой «юбилей» отмечает Франция: сорок лет назад случился «май 68-го». Конечно же, в честь этих и многих других событий музеи и галереи устраивают очень интересные выставки. Где-то выставляются фотографии счастливых калифорнийских хиппи и французских студентов-бунтарей, где-то - плакаты психоделических групп, а где-то - творчество представителей «контркультуры», которые сейчас считаются великими современными художниками . Крупные музеи отдают дань течениям в искусстве, которые в 1960-х были на пике моды, а в XXI век вступили порядком подзабытыми. Этим летом в Музее современного искусства Парижа открылась выставка, посвященная оп-арту, а точнее, его самой главной представительнице - англичанке Бриджет Райли (Bridget Riley).

Сначала нужно выяснить, что же такое оп-арт и с чем его едят. Оп-арт - это сокращение от английского Optical Art, что значит «оптическое искусство» или «искусство оптических иллюзий». Картины, выполненные в этом жанре, всегда абстрактны, чаще всего это строгая геометрическая абстракция. Многое оп-арт взял от Color Field Painting - разновидности абстрактного экспрессионизма. При слове «абстрактный экспрессионизм» все представляют Джексона Поллока (Jackson Pollock), яростно разбрызгивающего краску по холсту, но не стоит забывать, что к этому движению принадлежали и такие художники, как Марк Ротко (Mark Rothko) , Барнетт Ньюман (Barnett Newman) и Эд Райнхардт (Ad Reinhardt), прославившиеся мрачными торжественными картинами с изображениями «цветовых полей». Но их живописные произведения статичны, чего нельзя сказать о картинах художников оп-арта. Геометрические формы на полотнах представителей этого движения, таких как Бриджет Райли, Виктор Вазарели (Victor Vasarely) и Хесус Рафаэль Сото (Jesus Rafael Soto), не «стоят на месте»: они движутся, перетекают друг в друга, светятся, переливаются, раздуваются и вообще… живут. Современного зрителя, конечно же, не удивишь таким зрелищем - его глаз уже привык к плавающим формам в компьютерных скринсейверах. Но чтобы маслом на холсте… Движение пытались передать в своих картинах Робер и Соня Делоне (Robert and Sonia Delaunay), итальянские футуристы и много кто еще, но по-настоящему убедить зрителей в том, что формы на холсте действительно плывут и переливаются, удалось только художникам оп-арта. Вазарели, Райли и прочие развивают идеи таких художников, как Ласло Мохой-Надь (Laszlo Moholy-Nagy) и Йозеф Альберс (Josef Albers), которые в бытность свою преподавателями института Bauhaus учили студентов создавать оптические иллюзии. Альберс даже написал книгу «Взаимодействие цветов», где исследовал восприятие человеческим глазом цвета и пространства. Благодаря этому труду, а также знаменитой серии картин «Посвящение квадрату» немецкого художника считают отцом оп-арта.

Одна из самых главных черт оп-арта - взаимодействие картины со зрителем. По словам Бриджет Райли, произведение искусства «случается», только когда картина находится перед глазами человека. Сами по себе ее полотна (да и творения других художников оп-арта) - это просто картины, на которых изображены какие-то абстрактные формы. Двигаться и переливаться они начинают только тогда, когда на них кто-то смотрит. Это отвечает одному из главных постулатов современного искусства, выдвинутому Марселем Дюшаном (Marcel Duchamp): писсуар - это писсуар, но когда его выставляют в музее, где на него смотрят и говорят о нем, это не писсуар, а произведение искусства.

Оптические иллюзии Райли и ее коллег пришлись ко двору в шестидесятые годы прошлого века. Произведения оп-арта очень «психоделичны»: стоя перед ними, сложно отделаться от мысли, что тебя посетила маленькая галлюцинация. Абстракции художников оп-арта появились на супермодных мини-платьях Мэри Квант (Mary Quant) и стали символизировать собой радостное безумие «свингующего Лондона». Публике оп-арт очень понравился, на всех выставках участников этого движения всегда было многолюдно. Идеи этих художников начали активно эксплуатировать в коммерческих целях: Бриджет Райли даже пришлось подавать в суд на одну компанию, которая вознамерилась использовать ее излюбленные мотивы в качестве рисунков на ткани. Оп-арт-мотивы появились даже на плакате к Олимпийским играм в Мехико 1968 года! Несмотря на все это, критики относились к движению скептически. Как пишет Ульф Эрдманн Циглер (Ulf Erdmann Ziegler) в газете Die Tageszeitung, в то время оп-арт считался «карликом» на фоне таких мощных движений, как минимализм, концептуальное искусство, лэнд-арт и поп-арт. Долгое время картины и объекты участников движения пылились в запасниках музеев. Но сейчас их в массовом порядке достают и экспонируют: выставок, посвященных оп-арту, открывается много. Например, в нью-йоркской галерее Albright-Knox открылась выставка, исследующая влияние оп-арта на современное искусство.

Ретроспектива Бриджет Райли в Париже открылась 12 июня. Это первая крупная выставка художницы во Франции. Бриджет Райли родилась в 1931 году. Начинала она с живописи в стиле импрессионизма, а затем ее привлек дивизионизм. Творчество Жоржа Сера (Georges Seurat) оказало громадное влияние на Райли, привив ей «научный» подход к искусству. Ранние картины художницы были фигуративными, но, посетив выставку работ Джексона Поллока, она решила попробовать себя в абстрактной живописи. Многие художники-абстракционисты, став знаменитыми и уважаемыми, открещиваются от своих ранних творений, считая их незначительными ученическими штудиями. Но только не Райли: на ретроспективе в Париже можно увидеть множество произведений, созданных ею в самом начале карьеры. «Непорочного зачатия нет», - с иронией говорит она, имея в виду неразрывную связь между ее ранними пейзажами и более поздними картинами в стиле оп-арта. Главный вдохновитель творчества Райли - природа, особенно пейзажи Корнуэлла, где она выросла. По ее словам, на ее картины надо смотреть так, как смотришь на леса, горы, море…

Самые знаменитые произведения Райли выполнены в черно-белой гамме, но начиная с 1980-х годов она активно исследует возможности цвета и цветовых контрастов. В 1960-х говорили, что благодаря картинам Райли у зрителя появляется возможность испытать ощущения, похожие на морскую болезнь или на прыжок с парашютом…

Бриджет Райли много говорит о том, что корни ее творчества лежат во многовековой исторической традиции. Она писала о многих художниках, от Николя Пуссена (Nicolas Poussin) до Брюса Наумана (Bruce Nauman), а также курировала выставку в лондонской Национальной галерее, где экспонировались картины Тициана (Titian), Веронезе (Paolo Veronese), Эль Греко (El Greco), Питера Пауля Рубенса (Peter Paul Rubens), Пуссена и Сезанна. Для ретроспективы в Париже художница просила у Музея д’Орсэ некоторые картины Сезанна, Сера и Клода Моне (Claude Monet), но знаменитый парижский музей ответил ей отказом.

Как обстоят дела с рынком произведений Бриджет Райли? На данный момент она является, ни больше ни меньше, автором самой дорогой работы среди ныне живущих британских художниц. Недавно на аукционе Sotheby’s ее картина «Песнь 2» ушла за 4,5 миллиона долларов. Конечно, Райли далеко до сумасшедшего аукционного успеха ее соотечественника Лусиена Фрейда (Lucian Freud), но это объясняется общей ситуацией на рынке искусства, где